手提哥利亚头的大卫 卡拉瓦乔 画
看着那些过去只能在画册上见到的名画，看着画面上岁月留下的细细的裂纹，感觉这些大师就像小时候常说的——“远在天边，近在眼前”。
看来画一定要近距离的观赏才是，尤其是大师的作品。那些大面积的涂抹和细致的勾勒，以及美妙的画龙点睛之处，都让人感觉它们既是神来之笔，又是人的巧夺天工。我们平常所欣赏的画册中的作品其实都是远观的效果，完美而无法亲近，而真实的画面却能让我们感受大师的足迹，一笔一墨的点缀，平凡而又精准，让后人揣摩和体验创作者的心血和功力。
西洋绘画的发展得益于科学。早在古希腊就有人提出了“艺术是模仿自然”的理想，到了文艺复兴时期，达·芬奇又证明了“绘画是一门科学”的理论。这个时期，艺术家们对光的认识和理解，以及透视学的发明，尤其是人体解剖学的运用，使西洋绘画进入了更加逼真、更加完美的阶梯。相较而言，中国绘画的基础是对自然的“表现”，而非模仿，对事物的描绘也多追求“神似”的意境，不注重或者说根本没有透视学和解剖学的意识，直到现代的徐悲鸿才真正开始在中国画里引入了科学的因素。
中国画讲究“神似”，并不是说西洋画就只停留在“形似”的阶段，看了这个展览，我感觉西洋画其实是“形”与“神”的融汇兼备。比如这幅卡拉瓦乔的《手提哥利亚头颅的大卫》。大卫是以色列最早的国王，哥利亚是传说中的巨人族的首领，大卫战胜了巨人族，将哥利亚的头砍下，抓在手里。画中最典型的要素就是明暗的强烈对比，人物在黑暗中突现出来，背景和空间都是模糊的。（这种风格显然影响了后来的伦伯朗）画中哥利亚的脸是扭曲的，似在呼喊，眼神充满了绝望、恐惧和痛苦，而大卫的表情也值得回味，他并没有胜利者的高傲和得意，反到是以一种专注和悲悯的神情观看着手中的头颅。
据史料记载，画中的哥利亚头像实际上就是画家自己，痛苦、忧伤的脸也符合画家当时的处境和心态，尤其是肿胀扭曲的眼睛。传说卡拉瓦乔偶然与人发生争执并失手将对方打死，自己也被打的脸部变形，罗马宗教法庭将他判处死刑，他只好逃离罗马。在流亡的过程中，他多次希望能够得到罗马教会的赦免，但是直到他客死他乡，也没有被免罪。卡拉瓦乔似乎想让后人想象并记住他被砍头时的情形，进而释放伴随自己多年的恐怖噩梦，同时也试图表达自己由于一时冲动而付出的代价的心理状态。画中明显浸透着画家的忏悔和自省，也表露着画家在希望与绝望中间的徘徊，这在文艺复兴时期的绘画中是独一无二的。从这一点上来说，我们也可以把卡拉瓦乔称为西方现代主义绘画的源远的先驱，因为它已经具备了超现实主义的成分，也有了表现主义的端倪。
意大利文艺复兴的意义在于，它为后来的西方工业革命创造了条件。透视学和人体解剖学的发现与应用，为现代科学的发展做出了相当重要的贡献，而现代科学的发展也催生了现代艺术的自由、进步、个性和创造性的基本观念，使西方绘画的传统得以延续、变化和发展。相比较中国画的发展就相当静态，直到今天没有什么大的变化，只是吸收了西洋绘画的一些手法，但除了徐悲鸿、张大千、赵无极等好象都没什么大的成就，况且后两人更多是融合了日本绘画的风格，而日本绘画与中国绘画又原本是如出一辙。
有人说照相术的发明，取代了西洋绘画中的“写实”传统，正如现在有人预测网络的发明和普及将取代纸介一样。但我觉得只要能被称为艺术的可保存的东西，永远不会过时和被取代。纸介中的报纸有可能消失，因为它是即时的，非艺术的，且过于工具性和实用性，网络报纸完全可以取而代之，而书籍就不一样，它是可保存的，是艺术的精神化的载体，它应该伴随人类历史相当长的时间。西洋绘画中的肖像画应该被取代，事实上也已经被取代了。因为现代照相术可以把人物的瞬间保留的更加真实和准确，肖像画虽然有它的艺术价值，但它更突出的是它的记录性或者纪念性的实用价值。而真正的创造性的写实绘画永远不会消失，就象意大利文艺复兴的绘画一样，它的价值只能愈久弥新。
怀抱圣子的荣光圣母和天使
圣奥古斯丁 波提切利 画
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